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L’acteur·rice et l’objet

Nombre de crédits : 13 / Nombre d'heures : 210

Le théâtre d’objet utilise les objets du quotidien sans les transformer. Ils sont manipulés à vue par un acteur présent au centre de l’espace. Le travail intègre le décodage de la valeur poétique de l’objet, l’élaboration d’un scénario, la pratique du jeu de l’acteur. Le travail de création sera accompagné, dans cette unité d’enseignement, d’un cours d’histoire de la marionnette permettant de le contextualiser, d’un cours d’initiation au jeu dramatique, et d’un séminaire de mouvement scénique consacré à l’inscription du corps dans l’espace et le temps.

Dénomination nombre d'heures Crédits Professeur / Conférencier
Production de projets artistiques

120h

7

Agnès Limbos

Histoire de la marionnette

30h

2

Bernard Clair

Mouvement scénique

30h

2

Karine Pontiès

Art dramatique - initiation

30h

2

Delphine Veggiotti

Production de projets artistiques

Le théâtre d’objet utilise les objets du quotidien sans les transformer. Ils sont manipulés à vue par un·e acteur·rice présent au centre de l’espace. C’est un théâtre sans coulisse qui permet de changer rapidement de lieux, de dimensions, d’échelles (passage rapide du grand au petit ou du petit au grand), de visions et de points de vue. Le travail intègre le décodage de la valeur poétique de l’objet, l’élaboration d’un scénario (storyboard), la pratique du jeu de l’acteur·rice. Chaque étudiant·e a sa personnalité propre, son rythme, ses désirs artistiques particuliers, sa manière d’aborder la matière. Il n’empêche qu’un des objectifs fort est de tenter de faire évoluer le groupe comme un corps, une unité en soi où toutes ses parties seraient solidaires les unes avec les autres. Le travail de création sera accompagné, dans cette unité d’enseignement, d’un cours d’histoire de la marionnette permettant de le contextualiser, d’un cours d’initiation au jeu dramatique, et d’un séminaire de mouvement scénique consacré à l’inscription du corps dans l’espace et le temps.
Ce module a pour but de développer les univers particuliers qui peuvent naître de la mise en présence de l’acteur·rice et de l’objet.
À travers l’imagination, la curiosité, le savoir-faire, d’une part, des exercices, des improvisations individuelles ou collectives d’autre part, les étudiant·e·s explorent ensemble cette forme de théâtre particulière et singulière.
Un théâtre sans coulisse, utilisant la métaphore, le symbolisme, la suggestion, prenant des chemins de traverse.


Histoire de la marionnette

• Proposer des repères et des clés pour appréhender le théâtre de marionnettes dans sa tradition, sa modernité et sa diversité.
• Identifier les genres, les familles, les traditions et les techniques d’animation marionnettiques.
• Situer la démarche de quelques théoriciens de la marionnette (Kleist, Craig, Artaud, Meyerhold…).
• Mettre en avant la démarche d’auteurs qui ont contribué au répertoire marionnettique (Alfred Jarry, Matéi Viesniec, Daniel Lamahieu, Eloi Recoing…)
• Mettre en évidence les traditions, notamment asiatiques, qui ont influencé la démarche des créateurs actuels (Ariane Mnouchkine, Philippe Genty, Théâtre Gioco Vita…)
• Etudier l’évolution des différents types de jeux du·de la marionnettiste (jeu en castelet, manipulation à vue, manipulateur·rice en présence zéro, manipulacteur·rice, bunraku, corps castelet, …).
• Susciter une réflexion et un regard critique sur les profonds changements qui ont jalonné le théâtre de marionnettes du début du 20ème siècle à aujourd’hui.
• Questionner la pertinence et la singularité de l’art de la marionnette, devenu incontournable dans le monde des arts scéniques.
De nombreux documents, marionnettes, vidéos et supports visuels viennent enrichir la réflexion de chacun et nourrir l’étude comparative des genres et des démarches.


Mouvement scénique

L’objectif de ce cours est de transmettre les fondamentaux du mouvement corporel et scénique tout en tenant compte de la spécificité de chaque étudiant·e.

Le travail se base sur un chemin de l’intensité, partant du principe que la réalité d’un corps est plus intensément sentie si ce corps est placé dans un équilibre douteux ou dans un état d’effort.
Cette approche ouvre à une perception de soi-même plus intense, et permet de trouver l’animal sincère de chacun·e, non formel et codifié, mais dynamique et organique.

Le but est de révéler un corps plein d’aptitude, ouvert et disponible.

-  Espace, poids, temps et intensité.
-  Conscience et maîtrise des fondamentaux du corps : regard, respiration, tonicité, posture, marche humaine, états de corps induits et leur mise en jeu théâtrale.
-  Le corps dans l’espace, l’espace dans le corps.
-  L’espace comme partenaire avec lequel l’acteur se déplace.
-  La théatralité du mouvement.
-  De l’acteur·rice-interprète à l’acteur·rice-auteur·e.
-  Un lieu de recherche permanente.


Art dramatique - initiation

Les 30h de cours s’articuleront autour de la figure clownesque.

Dans un premier temps, on aborde la « technique clownesque » à travers différents exercices d’improvisation, tous très ludiques. Leurs règles strictes et complexes mettent en jeu une simultanéité de compétences qui obligent l’acteur à « lâcher prise » et l’amènent à découvrir dans son jeu, qu’il croyait « spontané » ou « naturel », bon nombre d’habitudes et de raideurs dont le clown s’emparera plus tard.
L’idée est de « reconquérir » la spontanéité en passant par un carcan de règles de jeu.
Elle demande à l’acteur un véritable effort de coordination, de précision et d’honnêteté, avant de découvrir la matière et la singularité de son jeu.
Le clown naîtra de ces découvertes-là et cette première étape préside à la réussite de sa « naissance ».